És un taller d'art al bell mig del Parc Collserola, el Taller d’ Art al Baixador de Vallvidrera et proposa viure l’art i potenciar la teva creativitat. Es un taller on el més important és gaudir del procés creatiu, on aprendràs sense adonar-te’n les diferents tècniques i procediments artístics en dibuix, pintura, escultura, collage... Et proposem a la vegada una formació complerta sobre la expressió creativa en l’art contemporani, i una via d’autoconeixement del propi potencial creatiu com a camí de creixement personal i artístic.
No es necessita experiència.
El taller es realitza en sessions de quatre hores a la setmana, el dimecres de 10-14h. Classes molt personals, màxim 8 alumnes.
Honoraris: 110 euros/mes (material bàsic inclòs)

+ Info: Mònica Sans Carré monicasanscarre@gmail.com

Procediment del taller

És un espai i un temps íntegrament dedicat a un mateix. A la teva creativitat.
No es necessari tenir experiència, cadascú fa la seva pròpia recerca segons el seu nivell. Sigui en l'inici d'un aprenentatge plàstic o en la maduresa de la recerca de nous camins d'expressió plàstica. Tots tenen en comú una cosa: l'atracció per la percepció i estètica visual, la bellesa plàstica .
És un taller on es crea un espai de llibertat que faciliti l'espontaneïtat personal, el gaudir del moment i del procés de crear.
És un espai on es posa a proba la humilitat. Entesa com el permetre's a un mateix equivocar-se o valorar-se un èxit. En definitiva, sentir de forma honesta.
És un taller on es practica una "gimnàstica de la intuïció", sentir quelcom des de l'estómeg, des del cor, no només des de la ment racional. La pràctica de l'art ens ajuda a sentir de forma intuïtiva. El nostre cos va prenent consciència de la intuïció en la vida diària. En front una situació o decisió, ja no només dius: que en penso d'això, sinó també que en sento d'això? Es quelcom sincer en tu mateix, en el teu interior del ser. És fer l’invisible en visible.

Objectiu dels alumnes

Se'ls posen ells mateixos:
Hi han que venen per tenir un espai de creació i de creixement personal, sense cap ànim professional.
Altres que per ells, el taller és un espai de contrapunt al taller propi professional per fer-se més preguntes o anar més enllà en la recerca de l'expressió plàstica personal.

Tècniques d'aprenentatge

Són molt lliures, segons el procés de recerca i els límits que cadascú que es marca en temps, dedicació i expectatives.
El dibuix és part important dins del procés d'aprenentatge. L'objectiu és aprendre a mirar, a educar al ull que observi de forma sincera i que la mà segueixi el seu ritme de visió. Mitjançant la pràctica d'aquesta tècnica, denominada "dibuixar amb l'hemisferi dret del cervell", la línia va agafant caràcter i seguretat en proporcions, detalls.
El color és l'element que es proposa "jugar" de forma més espontània, més intuïtiva. És un joc d'alquímia entre les probes en la paleta i la tela, paper o altre format a pintar. És l'assaig i l'error que et fa descobrir els teus colors més profunds, la teva paleta que et farà sentir més confortable.
La composició és la part que, segons l'objectiu a aprendre, pot anar des de un límits molts acotats per analitzar on es vol donar el punt focal de la composició fins a "sense límits" per anar descobrint noves estètiques compositives.
El volum, depèn de l'atracció pels diferents tipus de materials que existeixen. Hi ha creacions que es veuen en 3D. L'oferta de materials que hi ha avui en dia fa obrir els ulls a experimentar en la creació "d'objectes". La selecció dels materials ja et fa prendre caràcter en la teva manera d'expressar un volum.

Experimentar en qualsevol material

En el taller es por experimentar en qualsevol material (acrílic, oli, aquarela, ceres, llapis, tintes, etc) i en qualsevol tècnica (pintura, escultura, collage, fotografia,etc). Sempre, és clar, no sigui molt molest als companys que comparteixen el taller...

Sempre es bo veure què fan els altres artistes

L'art plàstic és un art bàsicament visual. Dins del procés del taller es van fent visites a tallers o exposicions d'interès que mereixin un temps de contemplació per descobrir els processos creatius d'artistes que han dedicat la seva vida a l'art. Són mestres que sempre ens podem ensenyar noves maneres de fer, de mirar, de crear.
(Dins d'aquest blog hi han escrits d'artistes que considero poden ser d'interès per a tu)

I en tot això, que fa la mestra?

Doncs fa de "guia" en tot aquest viatge personal cap al autodescubriment de la pròpia creativitat. És una observadora externa que fa d'acompanyant al propi mestre de cadascú. És com un "catalitzador" que fa accelerar el procés d'autoaprenentaje, reduint les "pol·lucions" que frenen el camí, com el nostre crític interior que tots portem, els bloquejos i mecanismes de defensa que ens fan no veure l'invisible que ja s'ha fet visible en el procés de creació.

Aquest Blog

Ha estat creat per donar informació detallada del taller d'art al baixador de Vallvidrera.
Però la recerca de l'expressió plàstica és un camí infinit d'aprenentatge, de descobriments, de motivacions que ja a molts artistes consagrats els hi ha donat una raó de ser.
Per tant, aquest blog és obert a anar incorporant pensaments, texts, bibliografia, paràgrafs d'artistes, pensadors, filòsofs, psicòlegs, etc, que ens ajudin a fer el camí de l'art.

“Art is a garanty of sanity” Louise Bourgeois

Citas de "La Poética del espacio" Gaston Bachelard

Estudiar la imaginación poética. Hay que estar en el presente, en la adhesión total de una imagen aislada, en el éxtasis mismo de la novedad de la imagen. La imagen poética es un resaltar súbito del psiquismo, relieve mal estudiado en causalidades psicológicas .

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La relación entre una imagen poética nueva y un arquetipo dormido en el fondo del inconsciente, no es causal. No es el eco del pasado, es en el resplandor de una imagen que resuenan los ecos del pasado. Es en la resonancia donde la imagen poética tendrá una sonoridad del ser. El poeta habla en el umbral del ser. Para determinar el ser de una imagen, tendremos que experimentar su resonancia.

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Decir que la imagen poética escapa a la causalidad es, sin duda, una declaración grave. Pero las causas alegadas por el psicólogo y el psiconoalista no pueden nunca explicar bien el carácter verdaderamente inesperado de la imagen nueva, ni la adhesión que suscita en un alma extraña al proceso de su creación. El poeta no me confiere el pasado de su imagen y, sin embargo, su imagen arraiga en seguida en mí.

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Claro está que en las investigaciones psicológicas se puede prestar atención a los métodos psicoanalíticos para determinar la personalidad del poeta, se puede encontrar así una medida de presiones –sobretodo de la opresión- que el poeta ha debido padecer en el curso de su vida, pero el acto poético, la imagen súbita, la llamarada del ser en la imaginación, escapan a estas encuestas.

Para iluminar filosóficamente el problema de la imagen poética hay que llegar a un estudio del fenómeno de la imagen poética cuando la imagen surge de la conciencia como producto directo del corazón, del alma, del ser del hombre captado en su actualidad.

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¿Cómo una imagen, a veces muy singular, puede aparecer como una concentración de todo el psiquismo?¿Cómo, también, ese acontecimiento singular y efímero que es la aparición de una imagen poética singular, puede ejercer acción- sin preparación alguna-sobre otras almas, en otros corazones?

Sólo la fenomenología, es decir, la consideración del surgir de la imagen en una consciencia individual, puede ayudarnos a restituir la subjetividad de las imágenes y a medir la amplitud, la fuerza, el sentido de la transubjetividad de la imagen.

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En ese dominio de la creación de la imagen poética es una fenomenología microscópica. Por esta razón, dicha fenomenología tiene probabilidades de ser estrictamente elemental…aprovecha observaciones que pueden ser precisas porque son simples, porque “no tienen consecuencias”, a la inversa de lo que sucede con los pensamientos enlazados.

La imagen en su simplicidad, no necesita saber. Es propiedad de una consciencia ingenua. En su expresión es lenguaje joven…para aclarar que la imagen es antes que el pensamiento, habría que decir que la poesía es, más una fenomenología del espíritu, una fenomenología del alma.

Se deberían entonces acumular documentos sobre la conciencia soñadora.

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La palabra alma es una palabra inmortal. Es una palabra del aliento.
En muchas circunstancias debe reconocerse que la poesía es un compromiso del alma. La conciencia asociada al alma es más reposada, menos intencionada que la conciencia asociada a los fenómenos del espíritu.

A nuestro juicio, alma y espíritu son indispensables para estudiar los fenómenos de la imagen poética en sus diversos matices.

Estudiar el ensueño poético como fenomenología del alma. El ensueño es por sí solo una instancia psíquica que se confunde demasiado frecuentemente con el sueño. Pero cuando se trata de un ensueño poético, de un ensueño que goza no sólo de sí mismo, sino que prepara para otras almas goces poéticos, se sabe muy bien que no estamos en la pendiente de las somnolencias.

El espíritu puede conocer un relajamiento, pero en el ensueño poético el alma vela sin tensión, descansada y activa. Para hacer un poema completo, bien estructurado, será preciso que el espíritu lo prefigure en proyecto. Pero para una simple imagen poética, no hay proyecto, no hace más que un movimiento del alma. En una imagen poética el alma dice su presencia.

Pierre-Jean Jouve dice: “La poesía es un alma inagurando una forma”.

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Duplicación fenomenológica de resonancias y repercusión.

Las resonancias se dispersan sobre los diferentes planos de nuestra vida en el mundo, la repercusión nos llama a una profundizacion de nuestra propia existencia. En la resonancia oímos el poema, en la repercusión lo hablamos, es nuestro: “el poema nos capta por enteros”.

La exuberancia y la profundidad de la duplicación resonancia-repercusión. Parece que por su exuberancia el poeta reanima en nosotros unas profundidades…podremos experimentar ecos, resonancias sentimentales, recuerdos de nuestro pasado…la hemos recibido, pero tenemos la impresión de que hubiésemos podido crearla…Esta imagen se hace verdaderamente nuestra.

Así la imagen poética, nos es personalmente innovadora. Ya no la tomamos como un “objeto”. Sentimos que la actitud “objetiva” del crítico ahoga la “repercusión”, rechaza.

En cuanto al psicólogo, esta ensordecido por las resonancias y quiere describir sus sentimientos.Y en cuanto al psicanalista, pierde la repercusión, ocupado en desenredar la madeja de sus interpretaciones. Por una fatalidad del método, el psicoanalista intelectualiza la imagen.

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En resumen, cuando un arte se hace autónomo, toma un nuevo punto de partida. Incluso en un arte como la pintura, que lleva el tetimonio del oficio, los grandes éxitos son ajenos al oficio…Es preciso, pues , que el saber vaya acompañado por un olvido igual del saber mismo.

El no-saber no es una ignorancia sino un difícil acto de superación del conocimiento. Sólo a este precio una obra es, a cada instante, esa especie de comienzo puro que hace de su creación un ejercicio de libertad…

Jean Lescure dice del pintor “ Lapicque reclama el acto de creador que le ofrezca tanta sorpresa como la vida”.

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El arte es entonces un redoblamiento de la vida, una especie de emulación en las sorpresas que excitan nuestra consciencia y la impiden adormecerse.

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La psicología clásica no trata apenas de la imagen poética, tan frecuentemente confundida con la simple metáfora…Nosotros proponemos al contrario, considerar la imaginación como una potencia mayor de la naturaleza humana…la facultad de producir imágenes.

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El espacio captado por la imaginación no puede seguir siendo el espacio indiferente entregado a la medida y a la reflexión del geómetra. Es vivido, no en su positividad, sino en todas las parcialidades de la imaginación. El juego del exterior y de la intimidad no es, en el reino de las imágenes un juego equilibrado…la imaginación imagina sin cesar y se enriquece con nuevas imágenes.

Sobre el tiempo y el espacio. François Cheng

“Llegado al límite del vacío, firmemente anclado en la quietud; mientras diez mil seres nacen de un solo impulso, me dedico a contemplar el regreso…conocerlo constante procura el acceso a lo infinito, lo infinito a lo universal, lo universal a la realeza, la realeza al cielo, el cielo a la vía, la vía que permanece, y la muerte nada puede en mi contra.” Laozi.

Se advierte una preocupación por la duración. Para él la duración implica la adhesión a la vía; permanecer para vivir, vivir sin morir, o también morir sin desfallecer.

Si la vida humana es un trayecto en el tiempo, es preciso realizar en el transcurso de ese trayecto lo que él llama regreso. El regreso no es considerado como una etapa sólo “posterior”; es simultáneo al trayecto, un elemento constitutivo del tiempo. En el desarrollo lineal del tiempo, el vacío, cada vez que interviene, introduce el movimiento circular que enlaza al sujeto en el espacio originario. En la medida que el tiempo vivo no es más que una actualización del espacio vital, el vacío constituye una suerte de regulador que transforma cada etapa de la vida en un espacio animado por los alientos vitales, condición indispensable para preservar la oportunidad de una verdadera plenitud. Así es el pensamiento taoísta en torno al problema esencial del tiempo y del espacio.

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Dice Chillida: “ Yo me paso la vida buscando en mi estudio – mi lugar favorito- para intentar aproximarme a lo que desconozco. Ahí me he dado cuenta de que existe el tiempo en mi escultura. Existe una versión. Que no es una versión temporal corriente. Es la de un hermano del tiempo: El espacio. El espacio es un hermano del tiempo. Son dos conceptos absolutamente paralelos y similares. Y como yo estoy muy condicionado por el espacio, he estado siempre muy interesado por el tiempo. De hecho mi tiempo es muy lento, pero ese tiempo es el del reloj, que es el que a mi no me interesa. Me interesa el tiempo que es armonía, es ritmo, son medidas.

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Confucio y Laozi proponen, en lo tocante a la manera que el hombre debe vivir el espacio-tiempo, el vacío favorece la transmutación entre espacio y tiempo. El vacío introduce la discontinuidad en el despliegue temporal y reinvierte de algún modo la cualidad del espacio en el tiempo. Este cambio cualitativo del tiempo en espacio vuelve al hombre capaz de interiorizar.

El vacío entonces entraña interiorización y totalización.

Citas de "Vacío y Plenitud" de François Cheng

“Antes de pintar un bambú, has de dejarlo crecer dentro de ti” Wen Tong.

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En la óptica china, el vacío está ligado a la idea de alientos visuales y al principio de alternancia yin-yang… Revelan el deseo de transformar el tiempo vivido en espacio viviente…En vacío (espacio no pintado) ocupa hasta dos tercios de la tela. ..La función activa del vacío es todo lo contrario de una “tierra de nadie”…es efectivamente el que permite el proceso de interiorización y de transformación. La pintura en China es, en sentido estricto, una filosofía en acción; es vista como una práctica sagrada, porque su objetivo es nada menos que la realización total del ser humano, incluyendo su parte más inconsciente.

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“Lo más suave en el mundo le gana a la larga a lo más sólido. Lo-que-no-tiene penetra lo-que-no-tiene-vacío. Con ello aprendemos la ventaja de no actuar" Laozi

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“El vacío es grandeza. Es como un pájaro que canta espontáneamente y se identifica con el Universo” Zhuangzi

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“Doblarse logra permanecer íntegro; doblarse para mantenerse recto; vaciarse para una plenitud; marchitarse para una renovación. Con menos hallamos, con demasiado nos extraviamos" Laozi.

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“El vacío, la quietud, el desapego, la insipidez, el silencio, la inacción, son el nivel de equilibrio del universo, la perfección de la vía y de la virtud.
Por ello, el soberano y el santo permanecen siempre en reposo. Este reposo conduce al vacío, el vacío que es plenitud, la plenitud que es totalidad. Este vacío confiere al alma una disponibilidad que hace que toda acción sea eficaz" Zuangzi.

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“Quien convierte el oído y la vista en una comprensión interior, y descuida el entendimiento y sus conocimientos….descubre el secreto de la transformación.” “Zuangzi.

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“Quien ama con exceso se agota, quien mucho atesora mucho perderá. Conforme con poco, nada ha de temer. Quien sabe detenerse se asegurará larga vida” Laozi.

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Pintura
La pintura no busca ser un simple objeto estético; tiende a convertirse en un microcosmos que vuelve a crear, de igual manera que el macrocosmos, un espacio abierto donde la la verdadera vida sea posible. La pincelada es el aliento, el ying-yang, el cielo-tierra, el espacio-tiempo, a la par que se hace cargo del ritmo y las pulsiones secretas del hombre.
Si el universo procede del aliento primordial y sólo se mueve gracias a los alientos vitales, estos mismos alientos han de animar a la pintura. La falta de aliento es la marca por excelencia de una pintura mediocre.

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El pincel designa el instrumento y la pincelada que traza. La pincelada no es una línea sin relieve ni el simple contorno de las formas: su mira está en el “li”, “línea interna” de las cosas, así como los alientos que la animan. Abarca la totalidad de las pulsiones del hombre.

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El arte de la pincelada fue favorecido en China por la existencia de la caligrafía. Cuando el calígrafo la practica, tiene la impresión de entregarse por entero, con su cuerpo, su mente y su sensibilidad.

La caligrafía ha ejercido una influencia profunda en la práctica de la pintura en su ejecución y composición. Wu Daozi, dice, que la ejecución de un cuadro, en la medida de lo posible, se hace de manera espontánea y sin retoques; el artista cuida de pintar el ritmo de sus gestos, a fin de “no romper el ritmo”.

El artista, antes de empezar, debe seguir un proceso de aprendizaje de una minuciosa observación de la naturaleza. El artista solo comienza a pintar cuando domina la visión y los detalles del mundo exterior. La ejecución instantánea y rítmica, se vuelve entonces proyección, a un tiempo, de las figuras de lo real y del mundo interior del artista.

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“En el exterior, tomar como modelo la creación; e el interior, dejarse guiar por las fuentes del alma" Zhang Zao

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“La verdadera pintura debe superar la exclusiva preocupación de semejanza formal y aspirar la transmisión del espíritu” Zhang Yanyuan.

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“Una línea está hecha de puntos. Cada uno de los puntos tiene su propia existencia; promete múltiples transformaciones. Poner un punto es sembrar una semilla; esta debe crecer y devenir…aun para hacer un punto, conviene que haya vacío en lo lleno. Sólo entonces el punto se torna viviente, como animado por el espíritu…Una pintura empieza por los trazos del pincel-tinta para llegar al no-trazo del pincel-tinta. Partir de lo claro y de lo tangible para llegar al “estallido del vacío” no está al alcance de un principiante" Huang Binhong.

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“En el trazo es importante variar el juego: que lo compacto y lo concentrado alternen con lo hueco y lo fino; que todo sea prolongado por el espíritu" Bu Yantu.

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Representación de las formas
Noción del “yinxian”, “invisible-visible”. El artista debe cultivar el arte de no mostrarlo todo, a fin de mantener el aliento vivo y el misterio intacto.

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“En el momento en que se sabe que una cosa está acabada ¿Qué necesidad hay de acabarla?Porque lo inacabado no significa obligatoriamente incumplido, pues el defecto de lo inclumplido reside precisamente en el hecho de no reconocer una cosa suficientemente acabada" Zhang Yanyuan.

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“En pintura, es importante saber retener, pero también dejarse llevar. Esto implica que las pinceladas del pintor se interrumpen (sin que lo haga el aliento que las anima)para ocuparse más profundamente de los sobreentendidos, de forma que permanezcan en este estado entre ser y no ser" Li Rihua.

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“Donde se concentra la mirada del espíritu no es necesaria la imagen entera.
Bu Yantu: “Lo visible es su aspecto exterior, es su yang; lo invisible es su imagen interior, es su ying. Un ying, un yang, es el dao…por mucho que abra los ojos, el espectador nunca acaba de verlo todo. Con su doble aspecto vivible-invisible ejerce su poder de fascinación…" Yan Yifen.

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Claro-oscuro
La pincelada resuelve la contradicción entre dibujo y color, entre representación del volumen y ritmo del aliento.

En el uso de la tinta, el pintor no solo reproduce los efectos de la luz, sino sobretodo captar la luz en la fuente de donde emana…se basa en la observación minuciosa de las variaciones de la atmósfera y los matices de tonalidad vistos a través de los paisajes.

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Paisaje para el arte oriental es la asociación montaña-agua. Para los chinos, estos son los dos polos de la naturaleza; los dos polos del universo, los dos polos de la sensibilidad humana. Buscan correspondencias naturaleza-ser humano. Es la comunión a través del cual el hombre invierte la perspectiva interiorizando el mundo exterior. Éste ya no se halla delante, sino que es visto desde el interior y se transforma en las expresiones del mismo hombre. En este contexto, pintar la montaña y el agua es retratar al hombre, no tanto su retrato físico, sino más bien el de su espíritu: su ritmo, su proceder, sus tormentos, sus contradicciones, sus temores, su alegría, sosegada y exuberante, sus deseos secretos, sus sueños de infinito.

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Toda pincelada debe estar precedida y prolongada por la idea (espíritu)

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La perspectiva
Se afirma que todo es asunto de equilibrio y contraste. Diferente de la perspectiva lineal , que supone un punto de vista privilegiado y una línea de fuga, la perspectiva china a veces recibe el calificativo de aérea. Goza así de una visión global del paisaje, contempla las cosas de lejos, de cerca, desde diferentes lados…utiliza contrastes de volumen, de forma y tonalidad.

El pintor busca crear un espacio mediúmnico donde el hombre se une a la corriente vital; más que un objeto que ha de ser mirado, el cuadro ha de ser vivido.

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"Hay paisajes que atravesamos o que contemplamos; otros en los que podemos pasear; otros también en los que quisiéramos permanecer o vivir…
Todos esos paisajes logran el grado de excelencia. No obstante, aquellos en los que quisiéramos vivir son superiores a los demás" Guo Xi.

Citas de "Aromas-Pensamientos" Eduardo Chillida

¿No será un paso decisivo para un artista el estar casi siempre desorientado?

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Yo no creo en la enseñanza del arte,
Pero si hay algo que se puede enseñar es esto,
Todo lo demás hay que aprenderlo. (que es muy distinto)

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En arte todo se puede aprender
Y nada o casi nada se puede enseñar.
No se ve sino lo que se tiene ya dentro del ojo.
Se ve bien teniendo el ojo lleno de lo que se mira.

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Es bastante sencillo,
Todo se reduce a aprender a preguntar.

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Los ojos para mirar.
Los ojos para reír
Los ojos para llorar.
¿Valdrán también para ver?

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No creo demasiado en la experiencia.
Pienso que es conservadora
Creo en la percepción que es otra cosa
Es más arriesgada y progresista

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El deseo de experimentar, de conocer, me hace con frecuencia llevar en mi obra una marcha discontinua; que a lo mejor se debe a que me interesa más la experimentación que la experiencia. También prefiero el conocer que el conocimiento.

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El artista sabe lo que hace, pero para que merezca la pena debe saltar esa barrera y hacer lo que no sabe, y está en ese momento más allá del conocimiento.
El arte para el artista es una pregunta
¿es la sucesión de preguntas nuestra respuesta?

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Puedo actuar en campos muy variados, pero lo que emparenta el arte, lo que tienen en común todas las artes es que están obligadas a presentar dos componentes que al mismo tiempo no pueden faltar: la poesía –es necesario la poesía y la construcción- Si no , no hay arte.

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Lo hice mejor porque no lo conocía e iba cargando de dudas y de asombro.

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Alerta y libre hasta el final
Guiado solo por un aroma.

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Creo que la virtud está en el ángulo recto, pero no en él.

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Con nobleza como la mar, no con malicia,
Esfuerzo constante sin aparente fin.
¿para qué sus blancas y tremendas luchas?
Así el arte, que no es refugio sino intemperie no orienta.
Quizás desorienta hacia delante.

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El presente: lugar activo.
¿Actividad sin dimensión?
Nada es previsible desde que se empieza hasta que se termina.
Como en la vida, todo se integra después.
(ese es el tiempo muerto del pasado)

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Lo que sé hacer es seguro que ya lo he hecho.